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La muerte de Chatterton (1856) de Henry Wallis. Dupdo. Detalle (2019).

Fuente: Chatterton fotografiado por Ewan Morrison

(Continuación de la parte 1.)

También hay terapias que ven con recelo el comportamiento artístico. En mi experiencia personal, tuve terapia con el NHS (El Servicio de Salud Pública en el Reino Unido) con un terapeuta que practicaba CBT. Básicamente, este terapeuta trató de convencerme de que hacer arte (escribir ficción, en mi caso) era demasiado exigente emocionalmente, involucraba demasiado pensamiento en blanco y negro con ciclos crecientes de esperanza y desesperación. Y que podía hacerlo mejor, desde el punto de vista de la salud mental. de vista, si encontrara otro trabajo. Un segundo terapeuta de TCC adoptó la misma posición. Más de unos pocos artistas que conozco juran que la CBT es el enemigo y «destruye la voluntad de hacer arte».

En el centro de este problema está la resistencia institucional a considerar a los artistas como un tipo de personalidad específico. Entonces, por ejemplo, los terapeutas de TCC ven a los artistas en términos materialistas como personas que no son diferentes de los demás y, por lo tanto, los artistas son tratados con procedimientos estandarizados para síntomas secundarios: episodios de pánico, pensamientos delirantes y depresión. CBT, con su rechazo a la introspección, la melancolía y la interioridad, niega a los artistas el acceso a sus propias voces (sus símbolos personales) al insistir en reciclarlos para que sean efectivos en una amplia gama de contextos sociales. El mensaje CBT es «sea normal».

La mayoría de los artistas que se suicidan lo hacen porque se han vuelto adictos al arte como única fuente de autoestima y están escapando de una realidad social que encuentran opresiva, y cuando sienten que nunca podrán volver a ser creativos, entran en pánico. y deprimido. Tienen miedo de «volverse» normales «.

El Servicio Nacional de Salud del Reino Unido tiende, por su configuración predeterminada, a tratar el temperamento artístico como una enfermedad mental de facto. Para ello, utiliza sus criterios de verificación habituales para evaluar la enfermedad mental frente al comportamiento normal en el DSMV. El resultado es que los artistas terminan siendo diagnosticados en el Grupo B de Trastornos de la personalidad: Trastorno límite de la personalidad. Trastorno narcisista de la personalidad. Trastorno de personalidad histriónica. Desorden de personalidad antisocial. El NHS y el DSMV parecen incapaces de lidiar con tipos de personalidad artística excitables, irracionales, extremos y emocionales sin verlos como enfermos mentales. La mayoría de los artistas que conozco, incluyéndome a mí, han sido diagnosticados erróneamente de esta manera. El diagnóstico erróneo de moda sobre el temperamento artístico en la década de 1970 era bipolar; ahora, a medida que ha cambiado el DSM, se ha convertido en un trastorno de la personalidad. Los artistas ahora son ampliamente diagnosticados con trastornos de la personalidad y están aprendiendo a «regular a la baja» sus emociones a través de terapias como la terapia de mentalización.

Puedo dar fe de esto, desde la experiencia familiar hasta el hecho de que tratar la personalidad artística como un trastorno de la personalidad no solo es ineficaz sino peligroso. Esto puede llevar a un artista a creer que tiene que elegir entre el arte y la razón. Es una dicotomía falsa y potencialmente mortal.

Lo que necesitan los terapeutas cuando tratan con artistas es, en primer lugar, comprender que lo que se manifiesta como una enfermedad según el DSMV, puede ser un estilo de vida funcional para los artistas, más parecido a un «alcoholismo funcional». El temperamento artístico puede ser algo así como un «trastorno funcional de la personalidad» y una adicción al arte para la autoestima, tal vez una «adicción funcional».

Desafortunadamente, nos alejamos cada vez más de la comprensión de la salud mental de los artistas. Los estudios más perspicaces provienen de dos tradiciones olvidadas, en el trabajo de dos pioneros lamentablemente olvidados: el psicólogo existencialista Rollo May (1909-1994. «El coraje de crear») y el del analista Freudiano de segunda generación, Otto Rank (1884 -1939 «Arte y artistas»). Ambos han afirmado algo que las terapias modernas no pueden soportar: que existe un temperamento o tipo artístico único.

Rollo May afirmó que la ansiedad y las dudas sobre uno mismo son aspectos inevitables del proceso creativo. “… La ansiedad está ligada a la brecha entre la visión ideal que el artista está tratando de [create] y los resultados objetivos … Esta contradicción fundamental, nacida de la desesperada brecha entre concepción y realización, está en la raíz de toda creación artística, y ayuda a explicar la angustia que parece ser un componente ineludible de esta experiencia. Como tal, May ha ayudado a los artistas a comprender la naturaleza cíclica de sus traumas y a ver la creatividad artística como una expresión del problema existencial mucho mayor del ser. El proceso creativo no es un camino pavimentado de alegría, dijo, sino un camino lleno de obstáculos, ansiedad, sufrimiento y frustración. La creatividad requiere coraje, según May. Si usted, como artista, acepta esto, con el tiempo podrá vivir con ello.

La teoría del arte posterior al placer de Otto Rank se basó en una apreciación existencial de lo que llamó el «tipo de artista»: «un individuo autoproclamado y voluntarioso, una persona que acepta la responsabilidad de sus elecciones, reconoce la realidad de la muerte y la limitación, y voluntariamente hace el sacrificio necesario para lograr la autoperpetuación a través del arte. El artista, dice, ha encontrado una manera de lidiar con el miedo a la muerte, evitando el neuroticismo que afecta a la mayor parte de la sociedad. Los artistas hacen esto creando su propia personalidad haciendo arte. Cuando funciona, convierten la alienación en individualización y el sufrimiento en productividad. Los artistas, como los que describió Rank, necesitan la resistencia del mundo contra la cual moldear sus personalidades. En su trabajo, hay una aceptación de que la vida artística es una vida difícil, y presagia la comprensión de Foster Wallace de que estar bien según los estándares de la sociedad actual sería una derrota artística.

Tanto Rank como May entendieron el acto creativo como una poderosa energía transformadora y entendieron que no se puede hacer que la persona creativa sea como otras personas. Entendieron que hacer arte puede ser una forma peligrosa de vivir. También entendieron que está mal afirmar que «todo el mundo es un artista» o que todo el mundo podría serlo. Sin embargo, las dos vías abiertas por May y Rank han sido cerradas por narrativas más poderosas dentro de la terapia y casi completamente borradas de la historia por la TCC y la psicofarmacología. Lo que aprendieron no fue construido. Volver a May y Rank sería un buen punto de partida. Podría salvar la vida de los artistas.

Quizás es hora de que DSM comprenda su temperamento artístico y deje de clasificar a los artistas como enfermos mentales. De lo contrario, los artistas probablemente harían bien en evitar terapias que utilicen estos criterios diagnósticos y que vean su personalidad como problemas a curar. También podrían evitar terapias que romanticen al artista.

¿Qué soluciones, entonces, para el artista en dificultad mental? Hasta ahora, nada más que hacer lo que los artistas han estado haciendo durante milenios: usar el arte como su propio medio de supervivencia y rezar para que la adicción al arte no lo consuma, se convierta en una adicción peligrosa y la energía se agote.

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